"DE UN PUEBLITO OSCURO,
A LA CAPITAL DE LA MÚSICA"

“Ego, Laurentius Vitalius Coadiutor baptizavi infantem natum die 18 Huius, hora 22 cum dimidio ex Antonio Salieri et Anna Maria Scachi a coniugibus cui impositum est nomen ANTONIUS” (1). Con estas palabras vertía el agua bendita el párroco de un pueblito que hoy cuenta con 25 mil habitantes llamado Legnago, situado al norte de Italia entre las ciudades de Verona y Venecia, el 29 de agosto de 1750. O lo que es lo mismo, once días después de que llegara al mundo el 'padre' de Beethoven, Schubert, Weigl, Hummel, Moscheles, Liszt, Meyerbeer, Winter, Asmayer, Stunz o Franz-Xavier Mozart entre otros muchos. Once jornadas después de que viera la luz por primera vez quien fue Maestro de Capilla del “Emperador de la Música”, director de los teatros nacionales de casi toda Europa, 'capo' de la escena musical y cultural de casi todas las capitales de nuestro continente, fundador del Conservatorio de Viena y compositor de casi 40 óperas, 2 réquiems, misas, otra música religiosa y de cámara, 2 sinfonías, 2 conciertos para piano, 1 concierto para órgano… y un largo etcétera. Y es que hablamos de uno de los compositores más importantes de la Historia y uno de los hombres más innovadores y más glorificados en vida. Nos referimos a quien ha sido posiblemente el compositor y director de orquesta más reverenciado por sus contemporáneos, y seguramente el de más prolijo repertorio y tratados, y uno de los pocos músicos con sueldos y remuneraciones tan excelsas que pudo dedicarse a subvencionar proyectos y ser mecenas de otros músicos que dudosamente hubieran llegado a nada de no ser por las atenciones de nuestro protagonista.

Todos estos datos, mimbres sin igual para que su nombre hubiera pervivido durante siglos en los carteles de los más prestigiosos auditorios y salas de conciertos internacionales, en grabaciones y libros de Historia de la Música, se estrellaron contra el suelo cuando la Providencia quiso que la soberbia, la irreverencia y, no obstante lo anterior, la genialidad sin par de un austriaco nacido seis años después, eclipsara para siempre a la más relevante figura en el campo de la música existente en Europa entre 1766 y 1824.

Desde su fallecimiento en 1825, y, de hecho, ya desde antes, el nombre de Antonio Salieri ha viajado de Lisboa a Moscú por los más diversos motivos. ¿Qué razones han llevado a la Historia a hacer perdurar su nombre? ¿porqué a sus memorias se dedica una novela, una ópera, una obra de teatro y una película ganadora de 8 Óscar en 1984? ¿quién fue Antonio Salieri? ¿un asesino? ¿un envidioso? ¿un gran maestro?

En el 260º Aniversario de su nacimiento, vamos a intentar averiguarlo.

Séptimo hijo de un comerciante local y de su segunda mujer, Antonio Salieri, que recibió el nombre de un hermano fallecido a los pocos meses de nacer en 1745, tomó sus primeras lecciones de música de otro hermano, el también compositor Francisco-Antonio Salieri (n. 1741), del violinista autor de La sonata del Diablo Giuseppe Tartini (n. 1692), del organista de Legnago Giuseppe Simoni, y del Padre Giambattista Martini (n. 1706). Tras la muerte de su padre y dado que sus dotes y cualidades eran superiores a las de sus hermanos, su madre le permitió y costeó el traslado a Venecia (donde años antes aprendiera Antonio Vivaldi). Una vez allí, rápidamente su educación es asumida por el noble veneciano Giovanni Mocenigo, que le presenta y sufraga las clases de bajo-continuo con Giovanni Pescetti (n. 1704) y de canto con Ferinando Pacini, tenor de Capilla de la catedral de San Marcos. El 7 de mayo de 1766, cuando Salieri contaba con 16 años, es Pacini quien esta vez le presenta al compositor Leopold Gassmann (1729-1774), que, sin dudarlo un instante, decide llevárselo consigo a Viena.

Llega a la capital del Imperio Romano-Germánico el 16 de mayo, donde continúa la preparación con Gassmann, hasta que en julio del mismo año éste presenta a Salieri a José II en una velada en que también conoce a Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Ambos deciden tomarle como protegido y el 1 de junio del año siguiente (1767) Antonio Salieri recibe del Emperador, en calidad de subvención, la cantidad de 50 ducados que el italiano corresponde con su primera composición: <<Missa in stile a cappella>> que se estrena el 12 de agosto de 1767. A ésta le sigue un Tantum Ergo en fa mayor para soprano y orquesta, con lo que dá por concluidos sus estudios con Gassmann en 1768 preparando su primer gran proyecto consistente en una opereta de título “La Vestale” y otra obra que no ha perdurado. Sin embargo, no llega a estrenarse, y la primera oportunidad de Salieri le llega a sus 20 años con “Le Donne letterate” estrenada en el Burgtheater de Viena el 10 de enero de 1770. A esa le sigue “L’Amore inocente” en carnaval del mismo año en que Ludwig Van Beethoven, uno de los futuros alumnos de nuestro protagonista, vería la luz el 17 de diciembre.

“Don Chisciotte alle nozze di Gamace”, “Armida”, “La Fiera di Venezia”, “Il Barone di Rocca” o “La Scchia rapita” son algunos de los títulos firmados por Salieri que entre 1770 y 1772 se pusieron en cartel con un éxito cada vez más creciente. La fama, la buena prensa y las amistades cultivadas hacen que el 20 de octubre de 1772 aparezca un enviado de la Corte de Estocolmo, proponiendo a Salieri ser Compositor Real del recién coronado Gustavo III de Suecia. Es en estos momentos cuando José II de Austria siente celos y le propone el mismo puesto a Salieri, en su Palacio, si éste no se va. En ese momento Salieri asume la dirección del Teatro Real, la de la Música en la Corte y la del conjunto de la Escena Austriaca. Pocos meses después (el 16 de julio de 1773) llegarán a Viena Leopoldo y Wolfgang Amadeus Mozart. Para acercarse al ya todopoderoso Salieri, el genio de Salzburgo compone 6 variaciones sobre “Mio caro Adone”, una de las arias más famosas de la ópera “La fiera di Venezia” de Antonio Salieri.

Pero esto no ha hecho más que empezar…

***

El 1 de abril de 1974, el presidente de la Diputación de Valladolid D. José Luis Mosquera Pérez, hacía entrega de una placa a un orgulloso vallisoletano de carnet, cabeza y corazón en agradecimiento a siete años de servicio y gestión como diputado en una época en la que ocupar tal puesto no conllevaba más recompensa que la de la satisfacción por el Servicio consumado. Unos años después, el 26 de junio de 1982, El Norte de Castilla le dedicaba una página a ese mismo hombre que tomaba posesión de la silla nº 21 en la Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción. Un puesto ganado a pulso y que preludiaba casi tres décadas más de entrega al Arte y la Cultura locales.

Amigos de la Zarzuela, la Coral Vallisoletana, la Unión Artística, el Premio de Piano Frechilla-Zuloaga, decenas de libros, poemas, artículos en varios diarios (incluyendo el que estas páginas contiene), incontables premios y reconocimientos, el libreto de distintas composiciones, la letra de múltiples himnos y canciones religiosas, el cariño de una ciudad entera, las atenciones de sus hijas y nietos, un lugar destacado entre los próceres de la Nación, el reconocimiento del Rey. Todo lo tiene Godofredo Garabito Gregorio. El hijo de agricultores nacido en 1932 en La Mudarra. El hombre que no ha dudado en gritar <<¡nada es imposible!>> cada vez que una dificultad se atravesaba en su camino o en el de cuantos le rodean. El humilde y sincero Caballero, por talante y título, que ayer recibió la llamada que le comunicaba por fin <<¡enhorabuena! ¡eres el nuevo Premio Provincia de Valladolid a la Trayectoria Artística!>>. Metal representativo de lo que ya era realidad justa y ganada hace muchos años cuando, a la pregunta de cómo ve la cultura, respondió que como algo que debe ser la luz para los pueblos. Placa simbólica de la valentía con la que ha sabido enfrentarse a pequeñas y serias dificultades, como cuando advirtió en un artículo en El Norte [16-XII-1987] de que ETA no era más que una panda de terroristas cuyo único objetivo es cobrarse vidas de la forma más vil y cobarde. Ello, en una época en la que no eran muchos los que daban el paso de hablar en esos términos. Y menos aún, sin escolta.

Son muchas las cosas que sobre él se pueden decir y se dirán en los próximos días. Que es católico, religioso y practicante; amigo del liberalismo y por tanto de la Libertad; veterano, y por ello un joven experimentado, etc. Pero no es en eso en lo que me voy a centrar. Eso les corresponde a otros. A los que me superan y mejoran.

Yo voy a hablar de mi experiencia a su lado, y de cómo reconozco el Premio ahora otorgado como el galardón que un hombre merece sin tapujos ni dudas.

Conocí a Garabito personalmente hace más de cinco años, en la radio, en una mesa en la que él se encontraba como contertulio y que me entrevistaba como director de la joven orquesta de nuestra Ciudad. Ya entonces me fijé en la fuerza y clarividencia de sus palabras que supieron hacer mella en mí y que me sirvieron, seguramente, para alumbrarme en muchas de las decisiones –profesionales y personales– que he tenido que tomar desde entonces. En 2009 nuestros caminos se volvieron a juntar cuando nos fue encomendada la composición del Himno de la Coronación de la Virgen de las Angustias, que sería finalmente estrenado el 3 de octubre en tan solemne acto celebrado en la Catedral. Hace un año de la primera de las ya incontables veces que visité a Godo para preparar los textos de la histórica canción. Primer Sagrario de Concepción fue uno de los títulos que vino en dar a la Señora de Valladolid hoy ya coronada. De nuestras muchas semanas de trabajo, en la preparación, preestreno y presentación del nuevo himno floreció una sincera amistad que cristalizó en muchas más visitas, y en la preparación de un nuevo proyecto: la composición de un oratorio de casi dos horas de duración que narra el nacimiento de Jesús desde una óptica actual, y que hoy está en vías de estrenarse. En todo este tiempo de trabajo no han sido pocas las historias que he escuchado de boca de quien ya es uno de los más ilustres de Valladolid, y siempre con parabienes para cuantos eran citados en nuestras conversaciones. Incluso para aquellos que han querido –sin poder– ponerle obstáculos y zancadillas en su trayectoria vital. Quienes, con ese ridículo afán de algunos españoles, se han jactado de augurarle alegremente un futuro muy negro. Exactamente todo lo contrario que caracteriza a la trayectoria de un hombre que con el mismo firme y silente paso con el que hoy debe caminar apoyado en su bastón, se ha movido los casi 78 años de su vida.

Por ello es premiado en la misma casa a la que él sirvió. Por ello aparece este artículo en el mismo papel que él firmó. Y por ello deseo terminar este artículo con uno de los muchos consejos que me ha dado y que actúa cual lapidaria e incontestable frase. La que él denomina un lema para vivir: <<saber aceptar la vida de cara a la eternidad>>.

Enhorabuena Godo, y gracias. Esto lo firma Valladolid.


Godofredo Garabito, y quien estas líneas escribe, al término de la presentación del Himno de la Coronación de la Virgen de las Angustias (Iglesia de las Angustias, septiembre de 2009).

Si la insolidaria huelga salvaje del Metro de Madrid no lo impide, aunque –en palabras del Sr. Rodríguez, líder de dichos salvajes- sólo sea por evitar ser tildados de <<homófobos>>, mañana se celebrará el Día del Orgullo Gay. Una fecha que lamentablemente ha de seguir teniendo lugar mientras ignorantes y retrógrados continúen considerando esa opción sexual como una aberración o mientras haya gente que ignore el asco que produce el escucharles afirmar sin titubeos <<¡yo odio a los gays! ¡y además soy homófobo!>>. Para todos ellos, y como tributo al silencio y al miedo que han tenido que sufrir tantos genios de la música a los que debemos obras que son patrimonio de la humanidad, ¡vaya este artículo!

No son pocos los intérpretes y compositores que se han visto obligados a ocultar sus tendencias sexuales. Posiblemente el más conocido en la historia es Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893), autor de ballets como El Cascanueces, La Bella Durmiente o El Lago de los Cisnes, y de óperas como Eugene Onegin. Éstas y otras obras como éstas, fueron la válvula de escape que el ruso tuvo para huir de Antonina, la mujer con la que tuvo que casarse para acallar rumores y a la cual no soportaba. La gran parte de su música escénica habla de amores ocultos, extraños, difíciles de conseguir, lejanos… pero siempre en la confianza de que algún día aportarían la felicidad al protagonista. Oficialmente murió de cólera a los 53 años, pero varios documentos históricos y testimonios aseguran que se suicidó pidiendo a sus herederos que ardieran las obras a las que había dado vida.

Amigo y compañero de danza de Piotr (según una anécdota por la que habrían bailado juntos un ballet para divertirse acompañados por Rubenstein al piano), se encuentra Charles Camille Sain-Saëns (1835-1921). El autor de El Carnaval de los Animales y de varios conciertos para órgano, fue un niño prodigio bastante castigado por sus padres y sus compañeros de clase por sus marcadas inclinaciones, que optó por casarse a los 40 años con una joven a la que doblaba la edad y a la que explicó que no podría llevar de viaje de novios por estar <<muy ocupado>>. La instaló en un piso de París, donde la visitó los primeros años de forma muy ocasional, llegando a tener dos hijos que murieron en extrañas circunstancias al poco tiempo de nacer. El compositor culpó a su esposa y le escribió para decirle que nunca más volvería a verla. Cosa que efectivamente cumplió.

Unos años antes de todo esto, el siempre afligido, cabizbajo y suicida Robert Schumann (1810-1856) tuvo algo más de suerte al contraer matrimonio con Clara Wieck [ver artículo del 8 de marzo] quien fue una fiel y comprensiva compañera que entendió la opción sexual del alemán, pasando por alto las relaciones que éste tenía ocasionalmente con algunos amigos. Schumann intentó suicidarse en varias ocasiones. Una de ellas, arrojándose al Rin de donde fue rescatado para ser internado en un psiquiátrico donde fallecería con 46 años. Habría podido tener una vida relativamente feliz si su pesimismo y catastrofismo psicótico le hubieran permitido darse cuenta de ello. No por ello, no obstante, hay que dejar de agradecerle sus cuatro sinfonías, y su gran número de obras para piano y canto.

La célebre Rhapsody in Blue que se incluyó en la película de Disney “Fantasía 2000”, la escribió un americano de origen ruso, y a caballo entre los siglos XIX y XX, llamado George Gershwin (1898-1937). También homosexual, se casó no obstante con la también compositora Kay Swift. En enero de este año Steven Spielberg anunció el inició de una película biográfica de Gershwin que protagonizará el actor y reputado activista gay Zachary Quinto.

Ya de lleno en el siglo XX existen ejemplos de compositores homosexuales cuyas obras han sabido entretener a una mayor bolsa de gente que sus antecesores, gracias a los géneros del cine y el musical. Los también estadounidenses Aarond Copland (1900-1990) y Leonard Bernstein (1918-1990), autores de Algo Salvaje y West Side Story, respectivamente, ocultaron su verdadera opción sexual durante casi toda su vida. Copland no contrajo matrimonio, pero Bernstein se casó con una chilena con la que, de novios, rompió y restableció su compromiso en varias ocasiones, terminando por contraer matrimonio y tener tres hijos. Sin embargo, abandonó a su familia para irse con su novio de toda la vida - Tom Cothran- regresando junto a su esposa cuando estaba ésta al borde de la muerte.

De nuevo en Europa, es otro ejemplo el británico Benjamin Britten (1913-1976), primer compositor en la Historia en recibir un título nobiliario inglés. Una de sus obras más conocidas es La Violación de Lucrezia, estrenada en 1946 con Peter Pears (el compañero sentimental del autor) en el papel protagonista de tenor.

Y no serían pocos más los maestros cuyas tendencias sexuales a muchos podrían extrañar, pero que son tan normales y legítimas como las de otros. Mas, ello no debe sorprender, pues como diría el también homosexual Óscar Wilde, autor de La importancia de llamarse Ernesto, “la música es el arte que más cercano se halla de las lágrimas y los recuerdos”. Espero que este artículo pueda servir para acercar una forma de vida que debe ser respetable y respetada, a todos aquellos amantes de la música que pudieran desconocer lo mucho que deben a un amplio número de homosexuales. Aunque sólo sea para que consigamos entre todos que ningún otro maestro tenga que sufrir en silencio o padecer insultos o vejaciones por sus opciones sexuales, habrá merecido la pena. Porque lo importante no son las creencias, opiniones u opción sexual, sino hacer que ante todo vaya primero la música y después las palabras.

Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893), uno de los músicos homosexuales que más tuvo que sufrir por su condición sexual, y que utilizó la música como válvula de escape.

Mientras la mayoría de la población se centra en las actividades de la Selección Española y suma esfuerzos patrióticos instalando banderas y banderolas en los balcones y terrazas, el Mundo de la Música celebra emocionado el 200º Aniversario del nacimiento de Frédéric F. Chopin. Una celebración a la que puede y debe sumarse España.

Si hace unas semanas conmemorábamos el 150 cumpleaños de Isaac Albéniz por ser uno de los españoles más prolijos en el extenso campo de la composición y la interpretación pianística, no podemos dejar de lado el nacimiento del polaco enfermo venido al mundo en una fecha discutida. No es habitual que se dude de este tipo de fechas en un personaje del siglo XIX, pero si bien siempre se ha dado como buena el 1 de marzo, una partida de bautismo encontrada en 1892 reveló que habría sido el 22 de febrero. Sea como fuere, 1810 fue su año. Y no sólo el suyo y el del antecitado español, sino también el de Robert Schumann. Tres grandes pianistas que, junto a Franz Liszt (que nacería en 1811) son seguramente ejemplo de virtuosismo para las teclas románticas.

Como es sobradamente conocido, el compositor polaco sufría de varias enfermedades contraídas a causa de una salud bastante endeble y de su pasión por estudiar con las ventanas abiertas fuera verano o invierno. En 1838, con 28 años, su situación era verdaderamente crítica y los médicos le recomendaron España como destino para pasar unas vacaciones en invierno, descansar y reponerse. Llegó en noviembre a Barcelona para trasladarse más tarde a Mallorca. Fue en la isla donde le diagnosticaron la tuberculosis que acabaría con él diez años después.

Gracias al clima y la inspiración que España pudo proporcionarle, Chopin tuvo en los tres meses y cinco días que permaneció en nuestro país los 95 días más fecundos de su corta vida. La Historia le debe al calor y el encanto mallorquín obras como los 24 preludios Op. 28, la Balada en fa mayor Op. 38, el Scherzo en do sostenido menor Op. 39, la Polonesa en do menor Op. 40 y la Mazurca en Mi menor op.41 – Nº 2. A su regreso a París, los estrenos de estas obras resultaron todo un éxito, y se suman como tal a su extensa producción para piano.

Conscientes de la importancia de este breve período del que España puede presumir, el gobierno de las Islas Baleares ha decretado que sea “Año Chopin” el período en curso, preparándose una edición especial en cedé de las obras del polaco escritas en nuestro territorio.

Frédéric Chopin murió el 17 de octubre de 1849, a la edad de 39 años, luego de haber pedido que su obra fuera pasto de llamas, que su corazón fuera enterrado en Varsovia y su cuerpo en París, y que su funeral estuviera presidido por la música del Réquiem en re menor de Mozart. Jamás se cumplió la primera de sus últimas voluntades.

Sirva el artículo de esta semana para recordar a este importante genio de la música, y rendir homenaje a su extensísima obra, a la que los españoles podemos sentirnos orgullosos de haber contribuido. Y enhorabuena a todos los músicos que el pasado lunes prestaron su savoir faire a Valladolid, en el Día Europeo de la Música, haciendo de la nuestra una ciudad donde brilló primero la música, y después las palabras.

Frédéric F. Chopin (1810-1849)

Ante decenas de flashes y libretas, y en el salón principal del Ayuntamiento de Valladolid, la Concejala de Cultura, el Diputado de Acción Territorial y quien estas líneas escribe, anunciábamos esta semana una feliz noticia para todos los vallisoletanos: la incorporación de nuestra orquesta joven a la Asociación Española de Jóvenes Orquestas (AEJO). No ha sido fácil ni corto el camino que se ha tenido que seguir hasta lograr que la Joven Orquesta Sinfónica de Valladolid se sentara entre la Nacional de España o la de Cataluña, y entre las otras diecisiete más importantes de toda España.

Es un honor que contrae una gran responsabilidad y que exige, quizá con más fuerza que nunca, la necesidad de transmitir a la ciudadanía la situación en que esta agrupación se gestó hace siete años y todo lo que se ha ganado con el esfuerzo y el trabajo de un incansable conjunto de jóvenes agrupados bajo las siglas “JOSVa”. El objetivo de ello es claro: un llamamiento a arrimar el hombro a todos los músicos de Valladolid y a la ciudadanía en su conjunto, para que este privilegio sea para todos motivo de orgullo.

Si en 2010 se implanta Bolonia y las nuevas PAU, el verano de 2003 arrancaba con la última edición de un modelo de Selectividad que ya no se repetiría más y en donde casi el 70% de quienes nos habíamos examinado lográbamos aprobar encaminándonos a los estudios universitarios. En una ciudad y una región en donde tan sólo siendo universitario podía uno acceder a una joven orquesta con plazas muy disputadas, surgió la posibilidad y la iniciativa de un grupo de estudiantes que quisimos ofrecer una alternativa auténticamente joven, fresca, dinámica y novedosa donde volcar nuestro saber hacer como músicos y como ilusionados ciudadanos comprometidos con el servicio social. Ello, sumado a la suerte de poder contar con una concejala de cultura experta y comprometida con la música –Angelines Porres- hizo viable que naciera el “Joven Coro y Orquesta Ciudad de Valladolid”.

Tras un año de papeleo, ensayos, conciertos de prueba y convulsión política (la Guerra de Irak, el 11-M, las elecciones, el cambio de Gobierno…) llegó el día de la presentación oficial: 23 de diciembre de 2004, en la Feria de Muestras, con el espectáculo Broadway en Valladolid. Con la prudencial distancia del tiempo, y con vocación de ser sinceros, hay que decir que desde luego no todo el mundo estuvo de acuerdo ni secundó la iniciativa. Hubo que luchar contra la oposición de mucha gente acostumbrada a dominar la escena (y nunca mejor dicho) a la que ha costado muchos años convencer de su contumacia. El éxito estuvo servido, y se demostró que el proyecto era viable, rentable y razonable. Pero quedaba mucho camino por recorrer. Obedeciendo a Machado, nos echamos a andar rumbo al siguiente recital. Fue “Katiuska” de Pablo Sorozábal, pocos días después de la muerte de Juan Pablo II, y en las mismas fechas en que se creaba la Asociación Española de Jóvenes Orquestas.

Con el verano otra vez de por medio, hubo tiempo de reorganizar nuestras fuerzas y lanzarnos a la conquista de éxitos mejores en nuestra II temporada (2005-06) para la que contamos con gente nueva, preparada y más ilusionada que nunca, que preparó a conciencia el que se denominó “Gran Concierto de Navidad 2005” y que tuvo lugar en el Teatro Carrión, el 23 de diciembre. La fatalidad se cebó en esa ocasión cuando la Parca se llevó a un cercano familiar de la ‘prima donna’, que debía haber sido protagonista, haciendo muy poco vistosa la labor de las casi 120 personas que –entre coro y orquesta- le habrían acompañado. Fue un hecho que obligó a la incipiente agrupación a subirse en varias ocasiones al escenario de Caja España, en Fuente Dorada, ante la imposibilidad de hacerlo en otras tablas. Fueron momentos en que tocó arrimar el hombro de forma especial a gente como Juan Silverio o Jorge Vaquero, que son hoy brillantes licenciados con un gran porvenir.

Sin sala de ensayos, ni material, ni recursos económicos, ni grandes posibilidades, con la sana competencia de las recién creadas Joven Orquesta Sinfónica de Castilla y León y Joven Orquesta Punta del Este, y todavía con la oposición de algunos necios que nos veían con hilaridad, seguimos adelante exponiendo nuestra mejor sonrisa y la mejor de nuestras cualidades: el compañerismo, la ilusión, la lucha contra la adversidad… Los verdaderos pilares sobre los que cualquier grupo joven debe asentarse si quiere hacer camino al andar. Así, pasado el verano, llegó la III temporada (2006-07). Una nueva fórmula de trabajo se impuso, e iniciamos los preparativos de la opereta “Bohemios”. Aún recuerdo cómo Leticia Fernández, que hoy dirige un grupo de teatro, supo mancharse para pintar los enormes rollos de papel de cientos de metros cuadrados que habrían de constituir los decorados de los tres actos de la obra de Amadeo Vives. Solistas, costureras, atrezzistas, cámaras, iluminadores, directores, coristas, músicos… todos sumaron sus jóvenes talentos y sus esfuerzos, sin recibir nada a cambio, para presentarse en la Feria de Muestras el 23 de diciembre de 2006. Como carecíamos de recursos, no pudimos más que ensayar a las 14 horas para pulir las sesiones que harían levantarse el telón a las 19 y a las 21:30 horas de ese mismo día. Como suele ocurrir en estos casos, la primera función sirvió de ensayo general, mientras que la segunda resultó tan vistosa como se esperaba, y nuestra estrella empezó a cambiar. Nos unimos en la lucha de AFICROVALL, que con destreza preside María Modroño, para ofrecer un concierto benéfico en el flamante nuevo auditorio de la región: el centro cultural Miguel Delibes. Mi mejor amigo me acompañó a verlo por dentro antes de haber sido inaugurado, y no ocultó su temor ante la idea de que la JOSVa pudiera tocar en tamaño escenario. Pero la suerte sonríe a los osados, dice el proverbio, y aceptamos el reto: sería el 30 de abril de 2007. La primera vez que una orquesta joven se subiría a esas tablas que aún olían al barniz y la pintura que Bofill firmaba. Éramos conscientes, aunque entonces no lo comunicamos, de que era la oportunidad definitiva: un éxito o un fracaso marcarían el principio de una nueva etapa, o el fin del proyecto. Todos conocemos el resultado.

Tras la II llegó la vencida, y la III temporada vino con un acuerdo con la Fundación Schola bajo el brazo, para organizar y participar en los Conciertos de Navidad que nos han permitido repetir la experiencia de abril de 2007 hasta tres veces más. Gracias a ello se han construido hospitales, se han desarrollado zonas agrarias o se han subvencionado programas de maestros rurales en el continente africano. Pero aún nos quedaba un obstáculo que superar: el Director obtenía una beca Erasmus para viajar a Bélgica. La IV temporada me obligó a coger tantos aviones en Villanubla y Charleroi que no me sorprendería que Ryanair me dedicara un asiento, como si de mi querido Enrique Cornejo se tratara. Pero este esfuerzo sumado a la dedicación de Ione García Alkorta y Manuel Sobrino en España, hizo posible que este curso terminara con éxitos muy aplaudidos y con renovadas relaciones con el Ayuntamiento y la Diputación de Valladolid que rebautizaron la agrupación bajo el nombre que ya sonaba entre los ciudadanos… “Joven Orquesta Sinfónica de Valladolid”. La nueva concejala de cultura, Mercedes Cantalapiedra Álvarez, y el diputado Alejandro García Sanz se volcaban con nosotros, y el Alcalde de Valladolid nos recibía en nuestro 5º Aniversario en la Casa Consistorial. Con el curso 2008-09 llegaba también el Solemne Concierto de Primavera a beneficio de Cáritas, y el apoyo de la Universidad de Valladolid ante el viaje de la JOSVa a Bélgica para el estreno de “En Gante”, que respaldaron Evaristo Abril y Paul Van Couvenwerge (los rectores de una y otra universidad).

Un primer intento de institucionalizarnos a través de la AEJO, ese mismo año, se cerró con la respuesta de que eran necesarios una serie de cambios para conseguirlo. Un año de trabajo sin precedentes, directamente coordinado por Álvaro Cordero Taborda, hicieron el resto. Hoy es una férrea realidad.

Ahora, como ocurrió en otros momentos, se abre una nueva etapa. Un período en que todos tendremos que aportar nuestro granito de arena y nuestro esfuerzo si queremos demostrar que Valladolid y Castilla y León merecen la pena. Sin excepción. Los miembros de la JOSVa, con más trabajo y estudio que nunca; los músicos vallisoletanos, con sus conocimientos y experiencia para reforzar las filas de la agrupación; los ciudadanos, para que se palpe el apoyo social; las instituciones, para que Valladolid demuestre su posición histórica y moral al resto de España a través de este trampolín institucional. Todos a una mirando hacia delante. Haciendo camino al andar, como la JOSVa ha demostrado.

Las ideas, proyectos, sugerencias, felicitaciones… serán recogidas y estudiadas desde ahora y hasta el comienzo de la nueva temporada VII (2010-11) en el e-mail lajosvaesdeotodos@gmail.com, al que podrá accederse a través de la web www.josva.es.

Vallisoletanos: Es una oportunidad histórica. Juntos podremos demostrar que sabemos hacer que sea primero la música y después las palabras.

Gracias, JOSVa; gracias, Valladolid. Enhorabuena.

Está el hoy abierto al mañana.
Mañana, al infinito.
Hombres de España: ni el pasado ha muerto
ni está el mañana,
ni el ayer escrito.

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(Antonio Machado)

Noticia en "El Norte de Castilla"

Se acerca la Selectividad. La temida prueba de acceso que miles de alumnos tendrán que llevar a cabo si quieren entrar en la Universidad para completar unos estudios superiores. Es en estos momentos cuando, a muchos jóvenes estudiantes de música, se les plantea el dilema de si asistir a la Universidad a desarrollar alguna carrera o continuar con el Superior en el Conservatorio.

Es cierto que, según la Ley, el tener el Superior de Música en España es equivalente a una Licenciatura, sin que por ello el que esté en posesión de dicho título sea exactamente tal, a diferencia de lo que ocurre en otros países como el Reino Unido en donde sí que existen Licenciaturas en determinadas especialidades de la Música que, una vez completado el Grado Medio en España, se pueden llevar a cabo. Es una buena alternativa que, al amparo de la misma legislación, se convierte a todos los efectos en efectiva en nuestro país.

Pero, ¿qué hacer? El mundo del arte en general, y el de la música en particular, es, lamentablemente, una gran pecera en donde abundan las pirañas. El lograr completar los estudios musicales no garantiza un puesto a través del cual realizarse, y eso, teniendo en cuenta que la carrera de música es una de las más largas y costosas que existen, puede llegar a ser realmente frustrante. Por ello, hay gente que decide sacrificarse doblemente y, llegado el punto de la Selectividad, entrar en la Universidad para realizar otros estudios complementarios: Magisterio, alguna carrera de Ciencias, Derecho, ADE… Los ejemplos y las combinaciones son tan ilimitados como la imaginación de cada uno quiera. De esta manera cubrimos el consabido <<por si acaso>> del que, muy correctamente, nos saben prever nuestros padres cuando tenemos 17 ó 18 años. A la vez, se continúa con la música en uno u otro puesto, hasta que llegue el momento de tomar con fuerza el Superior. Y como el saber no ocupa lugar, así y con ambas alternativas cubiertas, nos encontramos con un camino mucho menos difícil y con jóvenes sobradamente preparados para desempeñar un gran abanico de responsabilidades dentro del campo que se supone les gusta (la música y el espectáculo).

No han sido pocas las personas que han confiado en mí para consultarme qué les recomiendo precisamente en estos momentos. Si bien pienso, humildemente, que no soy nadie para interferir en las decisiones personales de otras personas, y mucho menos en los consejos de quienes con más cariño pueden asesorar a los estudiantes –sus padres-, sí diré que, tal y como está la situación, la mejor alternativa que puede uno tomar es precisamente la de cursar unos estudios complementarios. Ello no significa que quienes cuenten con unas cualidades natas, o dispongan de una gran fuerza de voluntad, no se puedan centrar en realizar los estudios superiores de música con toda la garantía de alcanzar el éxito. “Lo importante es hacer lo que a uno le gusta” dicen muchos, y no les falta razón, desde luego, cuando hablamos de jóvenes que tienen su camino claramente marcado cual pueden ser Eduard Kunz, Beatriz Barriba, Georgina Sánchez, Sara Gutiérrez, o tantos otros…

Tomar la decisión correcta requerirá de un profundo análisis de la situación personal de cada uno, pero también hay que decir que, entre las ventajas de la nueva legislación sobre las PAU, existe la posibilidad de que cualquiera pueda aprovechar sus conocimientos en materia de música para aprobar la selectividad. Ello, sin duda, alivia a quienes a la vez que en el Bachiller, han estado trabajando en el Grado Medio de Música.

Y es que las nuevas pruebas se dividen en dos partes: una general, y otra específica. En la primera puede el alumno escoger una asignatura “de modalidad” en la que puede incluirse libremente (esto es: sin haberla tenido que hacer en el propio bachiller) Lenguaje y Práctica musical, Análisis Musical II o Historia de la Música y de la Danza. Teniendo en cuenta que hablamos de cuatro exámenes, 1/4 de la nota la tendremos cubierta. Y en la segunda, pueden incluirse esas y otras asignaturas del campo del arte de Therpsícore para subir nota.

Es, sin duda, un modo de recompensar a los jóvenes músicos de los que la sociedad en su conjunto muchas veces ignora el arduo trabajo que tienen detrás, pero cuyo esfuerzo y sacrificio es un modelo para quienes creemos firmemente que debe ir por delante la máxima primero la música, y después las palabras.

…por eso, para la Selectividad, más que nunca: ¡Buena suerte!

Grupo de estudiantes, repasando antes de un examen de Selectividad.

El pasado sábado se celebró un año más el Festival de la Canción de Eurovisión. Una idea nacida en el único país neutral de nuestro continente en unos años en que Europa se recuperaba e intentaba reconstruirse de la devastación producida por la sinrazón de la II Guerra Mundial, con el objetivo de “canalizar” las riñas entre europeos a través de otros cauces como la música. Durante muchos años la música de Charpentier, que hace de sintonía, provocaba en los padres de familia de diez o doce naciones el grito de <<¡que empieza! ¡que empieza!>>, a lo que mujer e hijos acudían corriendo para sentarse a ver una orquesta sinfónica que acompañaba canciones bien preparadas y orquestadas, escritas por grandes compositores, e interpretadas por verdaderos cantantes, en una batalla relativamente justa (aunque la política era palpable a la hora de asignar determinados puntos) bajo la atenta mirada de un jurado profesional.

Ello acercó a naciones como España (que acudió por primera vez en 1961) al resto de Europa, y tuvo el efecto de que el modelo “festival de la canción” se contagiara a otros niveles. Así, tras nuestro triunfo en 1968 con La, la, la y en 1969 con Vivo Cantando, surgieron iniciativas como el Festival de la Paz que se celebraba en el Teatro Calderón de Valladolid, naciendo con él (y otros) un gran número de grupos jóvenes como TAU, Vino Tinto, Jarcha o Tahona que merecían la pena y que tuvieron una utilidad social fácilmente reconocible.

Pero hoy en día, ¿qué sentido tiene Eurovisión? En los últimos años ha entrado en una decadencia que abruma, y su coste cada vez es más elevado. Países como Italia o el Reino Unido han empezado a optar por apartarse de participar. En un vano intento por conquistar votos, que sólo se otorgan entre sí los países del Este a través del pertinaz sms que hoy en día parece que lo resuelve todo, España (aunque no es un mal sólo de ella) se ha dedicado a organizar espectáculos de una ridiculez que se supera cada año.

Tan pronto organizamos un concurso en donde un grupo de indocumentados son espiados con cámaras durante varias semanas, al son de enredos amorosos, líos y discusiones que en todo momento dejan de lado la música, mientras una parte de la población –bastante aburrida– subvenciona con sus llamadas y mensajes el que alguien se convierta en Princesa por un Día; como enviamos la broma del ingenioso y genial Andreu Buenafuente para reírse del sistema de elección, demostrando que aún era más ridículo de lo que parecía. Este año optamos por una tendencia más profesionalizada, pero, como siempre, terminamos estropeándolo con un actor que busca más vender su cara bonita que su talento, y en cuyas entrevistas no hablaba tampoco de música, ni de la canción que iba a interpretar (que por cierto, siendo lo que se premia, ¿alguien conoce el nombre del autor?) sino de cómo arreglaría la crisis o de lo que le diría o dejaría de decir al Presidente del Gobierno.

En todos los casos: un fracaso para la música. Y es que Eurovisión se ha convertido hoy en una solemne tontería y por más que se quiera, si se pretende usar como Festival de la Canción requiere de una muy urgente refundación. Pero es que a lo mejor lo que es un fracaso para la música resulta un éxito para el Circo que hay que ofrecer a uno de cada cinco españoles que no encuentra trabajo, y a los otros cuatro para rebajar su miedo y preocupación...

Sansón describía con su habitual inteligencia y acierto hace unas semanas una escena de dos ciudadanos empobrecidos viendo la televisión mientras uno le decía al otro <<¡si no fuera por jornadas de fútbol tan apasionantes como esta, ya nos tendríamos que haber echado a la calle!>>...

Qué pena que un escenario tan fantástico haya perdido para siempre la oportunidad de ofrecer a todos los europeos la posibilidad de vivir primero la música, y después las palabras.

Ah... y enhorabuena a Alemania.

Siw Malmkvist en 1969 cuando representó a Alemania, con la orquesta sinfónica que le acompañaba detrás.

<<Si el año pasado mermaba, este año agoniza>>. Con estas palabras, pero con una enorme fuerza de voluntad, presentaba José Antonio Nieto de Miguel –presidente de la Asociación Salzburgo– la programación de los dos conciertos que impertérritos resisten a los envites de la crisis económica sobre el Festival de Música de Castilla y León.

Y es que la incesante labor y el trabajo del Sr. Nieto de Miguel es una constante innegable y fundamental para seguir entregando a Valladolid uno de los pocos eventos y actos culturales que quedan nacidos de la iniciativa privada. Una programación patrocinada por el Exmo. Ayuntamiento de Valladolid y por Aguas de Valladolid, que va a dotar a nuestra ciudad de dos martes dignos de apuntar en la agenda: el 1 de junio, el Quinteto Littmann de la Ópera de Stuttgart; y el 8 de junio, el pianista Mario Prisuelos. Dos recitales que tendrán lugar en el Teatro Zorrilla de Valladolid, y que contarán con un programa verdaderamente atractivo.

El grupo de cámara alemán deleitará a los 550 espectadores que se concentren en la bombonera vallisoletana con música de El Barbero de Sevilla de Rossini, La favorita de Donizetti, Nabucco y Rigoletto de Verdi, Orfeo de Offenbach, El barón gitano de Strauss o Agua, azucarillos y aguardiente de Chueca, entre otras muchas. Junto a los cinco de Stuttgart estará el tenor Joaquín Aisaín, que dará vida al Conde Almaviva, al Duque de Mantua o a Barinkay.

Por su parte, el pianista madrileño ofrecerá varias sonatas del Padre Soler y Ramos, contemporáneo de Leopoldo Mozart o Franz J. Haydn aunque más cercano al estilo del primero que del londinense segundo, Asturias de Albéniz, la Serenata andaluza de Falla o las Danzas Fantásticas de Turina, entre otras. Será una gran ocasión de conocer a un virtuoso del piano que aguarda conciertos en Japón y China para 2011, y que conmoverá a un público que en no pocas ocasiones ha expresado su deseo de escuchar música española entre lo proyectado para los escenarios castellanos y leoneses.

Alain y Enrique Cornejo han estado muy presentes en boca de quienes hemos asistido a la Sala de Prensa del teatro de la plaza Mayor, por su colaboración y generosa ayuda. Pues una vez más queda constatado así que los premios, agradecimientos públicos, galardones y buena imagen del director de Iniciativas Teatrales se deben al TRABAJO (con mayúsculas). La palabra mágica que algunos parecen ignorar y que es la única llave del éxito. Ahora empieza el Mundial… ¡veremos cuánta gente sabría ser el seleccionador nacional! ¡veremos cuántos se atreverán a enmendar la plana a Del Bosque!... Y es que, como en el fútbol, el mundo del espectáculo artístico y cultural está plagado de gente que sabe qué hay que hacer, cómo hacerlo, y dice ser siempre más listo y capaz que quien se sienta en el despacho de uno u otro teatro. Porque es muy fácil criticar. Mas, por la misma, es más fácil aún reconocer y admirar a quien se lo merece de forma innegable. Y Enrique Cornejo sabe que cuenta con este reconocimiento de la misma manera que sorprende muy gratamente y cuesta comprender cómo un caballero como José Antonio, de buenos modales y de elegante saber hacer, puede sacar adelante casi con la única ayuda de su ingenio y ese mismo trabajo del que hablábamos un festival que ya lleva nueve ediciones...

Pero la respuesta es sencilla.

Como dice una persona que admiro y quiero: “la vida es eso que pasa mientras en foros de internet, o corrillos de marujas, se insulta y desprestigia” al que hace de Valladolid una ciudad donde reine primero la música, y después las palabras.

José Antonio Nieto de Miguel y la representante de "Aguas de Valladolid" en la sala de prensa del Teatro Zorrilla, el 26 de mayo de 2010, a las 12 h. de la mañana.

NOTA.- La Asociación Cultural Antonio Salieri apoya este festival, y al presidente y querido amigo de la Asociación Cultural Salzburgo, y agradece la oferta de un 20% de descuento a los asociados a los dos conciertos programados.

Dentro de los temas que ‘El Norte de Castilla’ nos propone ocasionalmente a los blogeros, se ha planteado escribir sobre el Día de Internet que tiene lugar hoy, 17 de mayo. Como no podía ser de otra manera, Primero la Música… suscribe esta propuesta y lo hace para tratar los beneficios –también problemas– que ha traído esta revolución mediática al Reino de la Música.

Internet ha sido fundamental para las comunicaciones humanas. Es indiscutible que ha habido un antes y un después tras la aparición de este invento, primero; y en la difusión social del mismo, después. Y es que, en el campo que nos ocupa, y antes de que existiera la Red Global, algo tan sencillo como la adquisición de partituras podía llegar a ser una auténtica odisea. Algo tan fundamental como contactar con cantantes, directores, orquestas podía ser a veces imposible, o reservado sólo a grandes empresarios o directores de teatros. Y cosas tan fáciles hoy como poder escuchar un fragmento de música interpretado por la joven orquesta filarmónica de Sidney, algo fuera si quiera de la imaginación…

Pues si la imprenta hizo más accesible y viable la difusión masiva de textos (y partituras) en los siglos subsiguientes a 1450, o si los aparatos de grabación hicieron más cercanas las melodías geniales de autores desde Bach a Verdi; Internet ha significado para el siglo XXI el ‘boom’ indispensable que le faltaba a la humanidad.

Las Partituras y los Midis.

No son pocas las páginas web dedicadas a la venta o alquiler de partituras. Pues precisamente gracias a internet podemos conectar directamente con distribuidores de casas nacionales o extranjeras que nos sirvan obras que en España pudieran estar descatalogadas, o que pudieran no ser halladas nunca. Pero esto no tendría nada de particular, toda vez que una partitura no es más que un bien que pueda obtenerse como tantos otros a través del uso de la tarjeta de crédito… La verdadera ventaja radica en las páginas web que ofrecen, en PDF u otros formatos, partituras y partituras que pueden ser al instante descargadas. Se me ocurren pocos ejemplos de obras básicas de la música clásica (o incluso de muchas otras de menor nivel) que no puedan ser encontradas al momento mediante el sagaz uso del Google.

Webs como www.el-atril.com, www.score-on-line.com ó, quizá la más importante de todas las existentes http://es.wikipedia.org/wiki/Proyecto_Biblioteca_Internacional_de_Partituras_Musicales, hacen más fáciles el rastreo y consecución del preciado material impreso.

Sólo las personas que estamos dentro de este mundo sabemos lo que puede significar encontrar una partitura con un solo click. Desde ejercicios para el Conservatorio, hasta ejemplos para analizar, o respuestas a la mera curiosidad de un concierto que escuché la pasada tarde… hasta una rápida respuesta a uno de tantos contratos inmediatos en donde, al otro lado del teléfono, te inquieren «¿puedes encargarte de La Traviata para la semana que viene?»…

Y cuando la partitura no te resuelve dudas, o cuando necesitas las partes para un grupo de cámara u orquesta, ¿quién no sabe que el Finale o el Sibelius traduce los midis en partituras? ¡Cuánto trabajo facilitado!

Contrato y Comunicación con otros Artistas.

Antes de la aparición de internet era inevitable tener que contactar con varias agencias, o mantener un contrato permanente con una de ellas para la obtención de artistas (cantantes, directores, intérpretes…) con el fin de organizar un espectáculo. Sólo alguien con los contactos adecuados, en un puesto de renombre, o con la suficiente perspicacia… podía alcanzar a contactar con determinadas figuras (o conocer a jóvenes artistas en los albores de su carrera).

Hoy es raro el músico con el que no se pueda entrar en contacto prácticamente al momento, tras averiguar cuál es su página web, su e-mail, su teléfono… lo cual puede encontrarse con paciencia y destreza. Desde Montserrat Caballé en su archiconocido site www.montserratcaballe.net, hasta el maestro Riccardo Muti en www.riccardomuti.com, un enorme abanico de artistas nos muestran su día a día y nos ofrecen la posibilidad de encontrarles.

La difusión de la música.

¿Qué habrían hecho tantos y tantos compositores por lograr que toda la humanidad sin importar el poder adquisitivo o posición social pudieran escuchar una ópera, una sinfonía, un concierto o un oratorio al instante?¿Cuánta gente jamás habría escuchado una obra de música clásica, de no ser porque se le ocurrió mirar el Youtube?

En lo que no nos atrae, es un hecho que no invertimos dinero por regla general, y por ello es muy probable que muchos cedés se hayan quedado en el estante del centro comercial, negándose así la oportunidad a determinadas personas a disfrutar del Réquiem de Mozart o de la 9ª Sinfonía de Beethoven. Pero cuando estas obras resultan gratuítas mediante la inclusión de un par de palabras en el buscador de Youtube, la difusión de la obra está servida. Y resulta muy reconfortante para quienes amamos la música que sean casi trescientas mil las visitas que pueden llegar a tener vídeos con grabaciones de Karl Böhm al frente de sinfónicas con dicho programa.

Algunas desventajas: la pescadilla que se muerde la cola.

Son, en resumen, ampliamente visibles las ventajas que internet ha traído sobre la ciencia de Terpsícore, aunque muchas veces esas ventajas vayan en detrimento de editoriales o casas discográficas que, como pierden un mercado que opta por adquirir lo que aquéllas antes ofertaban a determinado precio en el conjunto de la Red, deciden cerrar o tirar los precios hasta no hacer rentables determinadas obras. Si ésto ocurre, las editoriales y casas discográficas no investigarán viejos manuscritos o no promocionarán a compositores noveles. En llegando a tal cosa, el artista no verá en su profesión una verdadera salida para ganarse la vida y tendrá que distraer su talento en ocupaciones que le impidan dedicarse a la creación, o se perderá la oportunidad de recuperar partituras del siglo XVII que en buhardillas vienesas puedan esperar cubiertas de polvo a ser rescatadas...

El resultado es una paulatina pérdida de obras históricas no devueltas a la vida, o de ‘abortos’ del numen de los contemporáneos que muchas veces debe ser paliado con un canon que a pocos gusta, pero que puede ser indispensable. Un canon que, en efecto y como todo, sirve para que algunos se enriquezcan sin aportar gran cosa a la Historia del Arte, pero que –a grandes rasgos– puede tener su sentido y su justificación.

En todo caso, una de las desventajas mayores que la tecnología de internet aporta puede ser la excesiva difusión de todo lo que se diga. A nadie le es ajeno que cualquier cretino (en el puro sentido de la palabra y sin ánimo de denostar a nadie) bajo un pseudónimo, pueda entrar a opinar o a expresar su más profunda indignación o su más sincera devoción a unos y otros sin justificar sobre qué colchón de conocimientos lo hace, sin incluir su identidad o sin la suficiente experiencia para hacerlo, pasando así a ‘tirar la piedra y esconder la mano’ con una impunidad alarmante.

Pero porque sólo un cretino hace caso a otro de esos cretinos, y porque la excesiva difusión gratuita que pone en riesgo la creación se sabe compensar haciendo uso de esa misma capacidad de divulgación, las ventajas que comporta Internet sobre el campo de la música merecen el mayor de los respetos.

Porque Internet es posiblemente el instrumento intangible y la herramienta más útil de que disponen artistas y arte, para hacer de este interconectado mundo un planeta donde reine primero la música y después las palabras.

Un fragmento de un manuscrito digitalizado, por el banco de partituras de una conocida enciclopedia digital.